Actores
principales: Ben Affleck, Sienna Miller, Zoe Saldana, Elle Fanning, Chris Messina, Chris Cooper, Brendan Gleeson, Anthony MichaelHall, Titus Welliver, Max Casella.
Género:Cine negro, drama, Mafia, años 20.
Web oficial: No tiene
Resumen de la película: Ambientada en Boston durante los años 20, Joe Coughlin es hijo de un capitán de policía de la ciudad que no
sigue los mismos pasos honorables de su padre. Comenzó con hurtos
menores, pero no tardó en escalar hacia crímenes de gran envergadura. Su
carrera en el mundo del crimen en medio de la Prohibición hará que
cambie su Boston por el barrio latino de Tampa y las calles de Cuba. En
este lugar cruzará su camino con Emma Gould, una mujer que cambiará su
vida para siempre.
Premios: 2016:Critics Choice Awards: Nominada a mejor dirección artística.
Me parece increíble que nadie haya querido verla este fin de semana. Es cierto que las cintas de gángsteres ambientadas durante la famosa Ley Seca son bastante prolíferas y conocidas por un público que parece realmente cansado de ellas. Pues señores, no seré precisamente yo quien desacredite o diga que se ha aburrido con Live by night, la nueva cinta como director de Ben Affleck y antetodo una brillante adaptación de la misma novela que da título a esta película y que fue escrita por el inigualable Dennis Lehanne (Mystic River, Shutter Island, Adios pequeña adios).
A partir del texto escrito por Lehane, se logra apreciar como Affleck en su faceta de cineasta ha querido homenajear, o más bien recrear, la irrealidad del cine de gánsteres que tuvo su mayor apogeo durante los años 30 y 40 gracias a maravillosas cintas como al rojo vivo o los violentos años 20, ambas del maestro Raoul Walsh. Centrandonos en la segunda, cuyo modelo ha usado como referente el propio director para hacer su película (un héroe contradictorio, caído fruto de la guerra, en permanente lucha con
Dios, al que jamás logra encontrar, y buscando su conciencia), tenemos casi todos los elementos necesarios para levantar una solida crónica sobre la historia criminal de unos Estados Unidos que se parecen bastante a los de hoy en día. Hay una gran segregación racial, fanatismo religioso (el famoso KuKluxKlan sale durante cierto tramo de la cinta haciendo de las suyas), economía y ron, mucho ron. Si además continuamos hablando del guión, habría que aplaudir el valor de Affleck rodando algunas escenas de riesgo como una vertiginosa persecución automovílistica y un climático tiroteo de una pasmosa ceremonialidad
Ahora bien, hablemos del reparto. Pocas quejas tengo ya que hablamos de una dirección de actores practicamente esplendida donde, sorprendentemente, el único que no consigue dar la talla es el propio director y protagonista de la función. Affleck efectua una interpretación realmente plana y poco expresiva. Si a ese detalle le añadimos que debe compartir la pantalla con verdaderos monstruos interpretativos como Chris Cooper, tan solvente y dramatico como siempre, o Brendan Gleeson, cuyo personaje se me antoja el más repulsivo de la película, resulta imposible que consiga destacar en algún momento.Por otro lado, que maravilloso trio femenino ha juntado el mismo para la ocasión: Sienna Miller es una femme fatale bastante convincente, Elle Fanning esta descomunal como la jovén predicadora que debe acabar con los chanchullos de nuestro héroe, y Zoe Saldana cautiva al espectador gracias a sus sensuales miradas que se te clavan en el alma.
Por eso, Ben Affleck debería dejarse de poner delante de la camara, salvo cuando interpreta a Batman, y debería ofrecernos más cintas como estas, verdaderos relatos que como reza el título de esta película incitan a vivir de noche.
LO MEJOR: La virtuosa dirección de Ben Affleck y su soberbia corte de secundarios.
LO PEOR: Un inexpresivo Ben Affleck como el omnipotente protagonista del film.
Actores
principales: Emma Stone, Ryan Gosling, John Legend, Rosemarie De Witt, J. K. Simmons, Finn Wittrock.
Género: Musical, drama, romance, música, cine dentro de cine.
Web oficial: No tiene
Resumen de la película: Mia, una aspirante a actriz que trabaja como camarera, y Sebastian, un pianista de jazz que se gana la vida tocando en sórdidos tugurios, se enamoran, pero su ambición por llegar a la cima amenaza con separarlos.
Premios: 2016: 7 Globos de Oro: Incluyendo mejor película de comedia/músical, director, actor y actriz. Premios BAFTA: 11 nominaciones, incluyendo mejor Mejor película y director. 8 Critics Choice Awards: Incluyendo mejor película y director. Festival de Toronto: Premio del Público. Festival de Venecia: Mejor actriz (Emma Stone). American Film Institute (AFI): Top 10- Mejores películas del año. Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película.
Dejando de lado su juventud, Damien Chazelleha conseguido demostrar a sus 33 años y con 2 películas en su filmografía que es uno de los cineastas más prometedores de nuestro tiempo y una persona que entiende el verdadero sentido del cine. En 2014 nos ofreció Whiplash, un vibrante debut basado en uno de sus primeros cortometrajes y que se sustentaba fundamentalmente en tres elementos: Un soprendente Milles Teller, un terrorífico J. K. Simmons, el cual tiene un pequeño cameo en esta nueva cinta de Chazelle, y una batería. Así fue como logró emocionarnos a todos y colarse en una temporada de premios que culminó con 3 merecidos Oscars. Ahora, dos años después, recupera uno de sus primeros guiones donde lleva la unión entre cine y música un paso más allá: Un homenaje a los músicales de antaño en un momento en que estos no son precisamente los reyes del celuloide.
La la land es como si volvieramos por un momento a los años 50 y disfrutasemos de nuevo en la gran pantalla algunas cintas que hoy son clásicos, tales como un americano en París, Cabaret, West Side Story, o Cantando bajo la Lluvia, y que además tenían y todavía tienen la capacidad de demostrar que en el cine los sueños, por muy arriesgados que sean, siempre se pueden convertir en realidad. Chazelle pretende combinar muchas cosas y el resultado se podría calificar de magistral: Tenemos una encantadora historia de amor en la que predominan algunos temas realmente pegadizos, una estética teatral bastante añeja donde la delgada línea entre lo onírico y lo real se diluye, y la propia dirección de Chazelle es como un baile en el que cada paso evoca grandeza, sobretodo cuando nos ofrece esos increíbles planos secuencia que invitan a que nos dejemos llevar por las imposibles coreografías o unos bellisimos primeros planos donde hace que nos enamoremos de Emma Stone y Ryan Gosling, permitiendoles demostrar el talento que tienen.
Hablando de Stone y Gosling, vaya sorpresa esa versatilidad que demuestran cuando estan juntos, derrochando una genuina química de la que muy pocas parejas artísticas pueden presumir actualmente y que ya demostraron en anteriores colaboraciones juntos como Crazy, Stupid, Love o Gangster Squad, detalle al que debemos añadir su incuestionable belleza física y su talento para el canto y el baile, algo que apreciamos facilmente en el personaje de Gosling, quien además de las cualidades anteriormente mencionadas, también sabe tocar el piano con una destreza envidiable. Pero es Emma Stone quien hace una labor formidable, canalizando a las grandes estrellas del Hollywood clásico gracias a su frescura tan característica. La la land es una cinta brillante y la reafirmación del talento de Damien Chazelle para contentar a los amantes del género músical y sus detractores por igual, una película soñadora y juguetona que habla sobre el poder y el precio de los sueños en una ciudad donde estos nunca se agotan y en el que podemos conocer algunas parejas tan tiernas como la que encarnan soberbiamente Stone y Gosling. Un triunfo mires por donde lo mires. LO MEJOR: Absolutamente todo merece ser destacado, sobretodo la dirección de Chazelle, la banda sónora de Hurwitz, y las interpretaciones de Stone y Gosling. LO PEOR: Díria facilmente que NADA. Puntuación: 10/10
Todavía no consigo dar credito a lo que estoy viendo: John McTiernan, el director de famosas cintas como Jungla de Cristal, Predator o La caza del Octubre Rojo, parece ser que ha vuelto...con el spot de un videojuego. Vale, se que no es lo que precisamente estabamos esperando. McTiernan llevaba 14 años alejado de la gran pantalla trás cumplir un año de carcel en 2003, que fue además cuando nos trajo su último film, Basic. Todos esperabamos que a estas alturas ya estuviese envuelto en algún jugoso proyecto, pero por desgracia esos años de fama en los que era un referente del género son historia y ya nadie da un duro por el. De todas formas, parece ser que alguien ha decidido confiar en su leyenda y ese afortunado estudio ha sido Ubisoft, quienes le encargaron un avance para Tom clancy´s Ghost Recon: Wildlands. Damas y caballeros, vean ustedes el resultado:
Si les gustaría saber mi opinión, solamente les dire que esto es maravilloso, un elegante y divertido trabajo donde se aprecian facilmente las constantes del estilo Mctiernaniano: Un apartado técnico muy cuidado, ambiente sordido, música pegadiza, y un sentido del humor muy puñetero, hoy por hoy marca de la casa. Sinceramente, ojalá Mctiernan vuelva a sorprendernos con alguna joyita, y que mejor si el libreto estuviese a cargo de su colega Shane Black y la protagonizase Bruce Willis o Dwayne Johnson puestos a demandar...
Actores
principales: Andrew Garfield, Adam Driver, Liam Neeson, Ciarán Hinds, Issei Ogata, Tadanobu Asano, Ryo Kase, Hiroyuki Tanaka.
Género:Drama, S. XVII, Religión, Japón Feudal.
Web oficial: No tiene
Resumen de la película:Segunda mitad del siglo XVII. Dos jesuitas portugueses viajan a Japón en
busca de un misionero que, tras ser perseguido y torturado, ha
renunciado a su fe. Ellos mismos vivirán el suplicio y la violencia con
que los japoneses reciben a los cristianos.
Premios: 2016: National Board of Review: Top10del año y mejor guión adaptado. American Film Institute: Top 10- mejores películas del año. Críticos de los Angeles: Nominada a mejor actor secundario (Ogata)
Ya en sus primeras cintas, Martin Scorsese siempre dejaba claro la importancia de la religión en su forma de hacer cine. Fue en parte gracias a la relación con el guionista Paul Schrader, calvinista confeso y quien le impulso a dejar más constancia del sentimiento de culpabilidad heredado del cristianismo en sus obras (fijaos en el personaje de Harvey Keitel probando su resistencia sobre una vela durante los primeros minutos de Malas Calles de igual manera que De Niro lo hiciese sobre unos fogones en Taxi Driver), y cierta iconografía que el mismo Scorsese extrajo de las enseñanzas plasmadas en el Antiguo y Nuevo Testamento, como aquel boxeador que respondía al nombre de Jake La Motta crucificado en el ring o el propio Jesucristo bajando de la cruz en la que era su película más religiosa hasta la fecha, La última tentación de Cristo, que el propio director neoyorkino crease un sentimiento de necesidad para plasmar de algún modo la religión en su filmografía
Ahora bien, cuando Martin Scorsese leyó por primera vez la obrade Shusaku Endô Silencio durante un viaje al país nipónen 1988, fue en aquel momento cuando la religión dejo de ser un mero detalle secundario para convertirse en el motor de la trama, una historia que tenía todos los elementos para triunfar y que más de una década después llega a nuestras pantallas.
Empezemos señalando un detalle crucial: Silencio no es una película para todos los públicos. Dura casi tres horas y posee un ritmo más bien mortecino que a vecés se nota bastante, un aspecto que ya de por sí no terminará de convencer a aquellos que se negaran a visionar la cinta porque trata de curas. Ahora bien, si logras asimilar este dato y eres capaz de dejarte llevar, puedo afirmar que disfrutaras de una verdadera obra mestra. Silencio es posiblemente una de las películas más redondas de Scorsese en su planteamiento de la historia, la cual se podría decir que mantiene varias similitudes con Apocalypse Now (Francis Ford Coppola, 1979) sobretodo en lo referido al personaje de Liam Neeson, ese enigmático padre Ferreira que es mitad coronel Kurtz y mitad Muccguffin Hitchconiano. Tiene un mensaje cuya poderosa connotación religiosa no empaña el conjunto, y además lanza una gran crítica contra la idea equivocada que tiene la propia iglesia católica de expandir la religión cristiana, un detalle que ya trataba el propio Endô en su obra con un trasfondo igual de crudo. Técnica y visualmente díria que es preciosa y tiene un apartado fotográfico a cargo del mexicano Ródrigo Prieto bastante oscarizable, algo que compensa la carencia de una banda sónora propiamente dicho pero que viene a ser normal teniendo en cuenta el carácter simbólico que tiene el título de la cinta.
Si hablamos de las interpretaciones, resulta imposible no hacerlo sin referirnos al inmenso trabajo con el que vuelve a deslumbrarnos un jovén Andrew Garfield trás su reciente paso por Hasta el último hombre. Algunos críticos señalan que Garfield debería aspirar al Oscar por su papel en esta cinta ya que en gran parte el carga con el mayor peso de la misma sobre sus hombros, salvo que yo prefiero que lo haga por su trabajo en la de Gibson que me parece fantástico. Adam Driver es su compañero durante la primera mitad del film y es innegable que hace un gran trabajo como secundario durante dicha parte pero se me antoja bastante escaso y nos deja con ganas de ver más su potencial. Liam Neeson sale muy poco tiempo en pantalla, pero en cuanto lo hace, esta se engrandece con su presencia y nos ofrece un increíble recital intepretativo con tan solo una mirada, mientras que Issey Ogata borda al pretencioso e irritable inquisidor Inoue, sobretodo durante los momentos que comparte con el personaje de Garfield.
Por lo demás, no tengo muchas pegas sino alabanzas para la que esta siendo una de las películas más ninguneadas durante esta temporada de premios y que espero se acuerden de ella para los próximos Oscars. Silencio es una historia apasionante y cuya épica reside en la declaración de intenciones que intenta transmitirnos su propio director, un nuevo triunfo del inigualable Martin Scorsese.
LO MEJOR: La oscarizable fotografía a cargo de Ródrigo Prieto y un portentoso Liam Neeson.
LO PEOR: El personaje de Driver se podría haber aprovechado un poco más y además esta el aspecto de la mastodontica duración.
Disfrutable producción de época a cargo del polifacetico cineasta Edward Zwick (Tiempos de Gloria, Leyendas de Pasión, Diamante de Sangre). En este caso asistimos a un espectáculo de proporciones épicas que retrata formidablemente una época de cambios en Japón y la historia de un soldado que descubre una vida mejor entregandose a una cultura que al principio rechaza por pura incomprensión pero que al final llegará a amar verdaderamente. El guión escrito por John Logan me parece que plantea realmente bien esa visión romántica de un mundo perdido y rebosauna gran pasión en todo momento gracias a una de las mejores interpretaciones de Tom Cruise como el capitan Nathan Algren y su parteneire, un oscarizable e inigualable Ken Watanabe. Además cabe resaltar su magnífica banda sónora a cargo del legendario Hans Zimmer y un apoteosico enfrentamiento final que desgarra al espectador por la enorme impotencia que experimenta. Una de mis películas preferidas y una experiencia que no debeis dejar escapar.
Hoy me gustaría recomendaros una entretenida cinta de ciencia-ficción para los amantes de los videojuegos. Spectral supone el debut en la dirección del estadounidense Nic Mathieu y lo hace con una historia bélica donde presenciamos como un grupo de las fuerzas especiales deben enfrentarse a una serie de entidades paranormales que estan asolando la región de Moldavia. La verdad esque como película no digo que sea nada memorable y cuenta con algunos fallos imperdonables, como ese final apresurado o algunos tópicos demasiado obvios, pero en conjunto díria que es un film bastante virguero en el apartado técnico y visual, bastante similar al de shooters como COD: Advance Warfare o Titanfall, y que además cuenta con un reparto formado esencialmente por eternos secundarios que aquí tienen una pequeña oportunidad de brillar (citar el caso del siempre carismático Max Martini, quien os sonara por sus personajes en Pacific Rim o 13 Horas: Los soldados secretos de Benghazi). No es una maravilla, pero tampoco es un horror y me sorprende que ni siquiera se dejara caer por nuestros cines más cercanos. Una verdadera lastima.
Resumen de la película:Un desastroso virus se me expande por Corea del Sur, provocando
importantes altercados. Los pasajeros de uno de los trenes KTX que viaja
de Seúl a Busan tendrán que luchar por su supervivencia.
Premios: 2016: Festival de Cannes: Sección Oficial (fuera de concurso). Festival de Sitges: Mejor director y mejores efectos especiales.
El cine surcoreano, repleto de prestigiosos cineastas e incontables cintas encumbradas por la crítica como Oldboy, Encontré al Diablo, el hombre sin pasado, o la revolucionaria Snowpiercer, tiene ahora en nuestras carteleras una reducida presencia que me apena bastante. Suelen ser cintas lentas y grises, pero en general muy bien estructuradas, dirigidas e interpretadas. Es más, Train to Busan, presentada fuera de competición en el 69º Festival de cine de Cannes y galardonada con los premios a mejor director y efectos visuales en el 49º Festival de cine de Sitges, cumple de sobra con todos estos atributos y es una de las mejores cintas sobre zombies que jamás habré visto. Suena exagerado, pero no os equivoqueis: Es la más pura verdad.
Películas de zombies hay muchas desde que el genio George A. Romero inventase el género con su noche de los muertos vivientes . Tenemos la genial 28 Días después, una de las mejores cintas del británico Danny Boyle, la divertidisima Zombies Partyde Edgar Wright, o la actual teleserie The Walking Dead, unéxito de masas basado en los famosos comics de Robert Kirkman y cuyointeres por parte del público parece jamás agotarse. También existen algunos productos menos agraciados como ese taquillero engendro llamado Guerra Mundial Z (cuyos infectados comparten más de una similitud con los de esta cinta) o la reciente Orgullo, Prejuicio, y Zombies. Personalmente, reconozco haber visto la mayoria y haberlas disfrutado en su justa medida, pero esque lo de Train to Busan va más allá: una simple historia sobre la típica relación más bien complicada entre una niña y su egoista padre deriva en un angustioso y adrenalítico relato de supervivencia donde el directorcurtido en animación Yeon Sang-Hoo realiza una soberbia jugada creando algunos set-pieces realmente infalibles donde posiciona al mismo espectádor en medio de ese apocalíptico epicentro, convirtiendole de esta manera en un superviviente más de este infierno sobre ruedas que a más de uno les recordará a la anteriormente citadaSnowpiercer (Bong Joon-Ho, 2013) por el hecho de que su acción principalmente transcurre en un tren.A nível técnico y visual me parece que Sang-Hoo logra aprovechar bastante bien su considerable presupuesto y el trabajo de los especialistas creando algunos efectos bastante virgueros en la gran pantalla, por no hablar de una dirección fotográfica de Lee Hyung-deok que deja algunos planos para el recuerdo.
Sobre el reparto, díria que la mayoria de personajes pecan de ser demasiado acartonados y tópicos, pero en conjunto díria que algunos secundarios me parecen bastante carismáticos. No destaco a nadie, salvo a la jovén Kim Soo-Ahn, cuya dulce interpretación se contrapone a la perfección con la egoista y fría actitud de su padre, encarnado por un solvente Yoo Gong.
Negativamente quisiera reseñar quehabría estado mejor haber conocido más sobre el misterioso, casi inexistente, origen del virus que origina esta terrorífica oleada de infectados y alguna laguna de guión que no me termina de convencer, por no hablar de que al principio díria que la cinta tarda un poco en arrancar. Pero no nos engañemos: Train to Busan es un magnífico entretenimiento que ensalza los valores del cine coreano sin tener que resultar un producto innovador dentro del género de infectados.
LO MEJOR: La dirección de un entregado Yeon Sang-Hoo y sus increíbles efectos especiales.
LO PEOR: Escatima demasiados detalles sobre el origen de la pandemia y ningun personaje me parece que destaque por encima del resto.
